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linernotes zu # 4:
"Boogie Woogie-Piano" wurde zu einem von vielen Leuten verwendeten Begriff, als Folge eines kurzen Anstiegs kommerzieller Popularität in den 40 er Jahren. Dies hat dazu geführt, dass eine Seite des Blues-Pianos künstlich von den Hauptströmungen der Blues-Tradition getrennt und in isolierter Form untergebracht wurde. Es ist im Allgemeinen das Ergebnis des frühen weißen Jazz-Liebhabers, der sich nur ein Stück des Ganzen schnappte und es beinahe zu Tode schlug!
Das, was als "Boogie Woogie-Piano" bezeichnet wird, ist eine ausgeprägte Herangehensweise an eine gelungene Blues-Nummer auf den Bass-Tasten. Wie Little Brother Montgomery sagte: „Wir haben all diese Arten von Bass-Tasten gespielt, lange bevor sie jemals auf Records durchkamen.“ Die erste Platte mit dieser Art von schnellem Blues war “The Rocks“, aufgenommen 1922 von einem gewissen Clay Custer aus Oakwood. Der Begriff tauchte erstmals 1928 auf Clarence "Pinetop" Smiths Veröffentlichung für Vocalion auf, “Pine Tops Boogie Woogie“. Den Begriff selbst hatte Smith von einem damals populären Shimmy-Tanz übernommen und später fälschlicherweise angewendet wurde. Oft mit der City of Chicago in Verbindung gebracht, ist bekannt, dass dieser Ansatz überall dort zu finden war, wo es Blues-Pianisten gab. „Boogie-Woogie ist ein Aspekt des Blues. Er kann allgemein als Klaviersolomusik definiert werden, die auf zwölf oder gelegentlich acht Taktmustern basiert. Das neuste Merkmal ist die Verwendung wiederholter, ostinato Bassfiguren.“ Die Ursprünge sind für heute völlig unklar, obwohl Klaviere dieser Art um die Jahrhundertwende – während der Ragtime-Ära – zu hören waren, aber welche Einflüsse (falls es überhaupt eine Verbindung gab) eine Frage der Vermutung sind. Eine Theorie betont die urwüchsige, gelehrte Natur der Pianisten: „Ein unerfahrener (Blues-)Pianist ... wird unweigerlich zu einem repetitiven Bassmuster neigen.“ Die Verwendung einiger wiederholter Bassnoten wird der Unfähigkeit zugeschrieben, gut zwischen vertrauten Diskantakkorden und den linken und rechten Akkorden zu wechseln, und sie bietet ein ziemlich überzeugendes Argument. Es wird behauptet, dass die durch den reinen Amateurismus hervorgerufenen Beschränkungen uns diese neue und kraftvolle Musik beschert haben. Eine Ergänzung zu den Theorien besagt, dass „sie anscheinend von zwei weit verbreiteten Musikarten abstammt ... dem Vocal Blues und der Gitarrenmusik, die das Negro Dancing begleitete“. Auch die Herkunftsgebiete sind unklar: Im Südwesten war sie als "Last Western" bekannt, während die Leute im Mississippi Delta-Gebiet sie als "Dudlow Joe"-Spiel bezeichneten. „Blues ist im Wesentlichen die Schöpfung von Männern, denen nie das Spielen beigebracht wurde und die die Konventionen spielten, weil sie nicht wussten, dass es sie gab.“
Einige Namen stechen als talentiert und bekannt hervor – Jimmy Yancey, Meade Lux Lewis, Albert Ammons und "Cripple" Clarence Lofton. Die erst- und letztgenannten gehörten zu den einflussreichsten Persönlichkeiten, während die anderen stark unterschätzt wurden. Es gab noch viele andere weniger bekannte Stars – Henry Brown, William Wallace, Jabbo Williams, "Cowboy Cove", Hersal Thomas (!), Charlie Span und Leroy Garnett –, aber nur wenige hatten mehr als ein oder zwei Aufnahme-Sessions oder große Bekanntheit.
Erst nach dem “Spirituals to Swing“-Konzert von John Hammond im Jahr 1938 in der Carnegie Hall wurde der Boogie Woogie zum ersten Mal von Weißen wahrgenommen. Lewis, Ammons und Pete Johnson (Kansas City) waren dort aktiv und wurden dann zusammen mit ihrer Musik in Clubs und Konzerten gefeiert. Aber Tin Pan Alley erhob bald sein hässliches Haupt. Es gab eine Menge Kopien der Musik – von Freddie Slack bis "Sugar Chile" Robinson –, so dass Boogie Woogie der letzte Schrei in der Szene war. Die Erwartung der Nerds an diesen Aspekt des Genres schuf eine Art künstlerische Sterilität bei denen, die von der Welle erfasst wurden, und die meisten Platten aus dieser Zeit wurden entmannt.
Es waren die Künstler, die mitgerissen wurden – Yancey, Lofton usw. –, die diese Ansätze in einem wichtigen Tempo beibehielten. Seitdem hat sich viel geändert – die Idee einer Party ist nur noch von historischem Interesse und der Musikgeschmack hat sich stark verändert. Boogie Woogie hat seine Auswirkungen auf Jazz und Popmusik gehabt, und einige der zweihändigen Bluespianisten existieren noch, aber insgesamt ist wenig übrig geblieben. Es gab immer noch die Schallplatten, und einer der besten, unveröffentlichten Pianisten war der Star Jimmy Yancey.
Jimmy Yancey war einer der fähigsten und einfallsreichsten Blues-/Boogie-Pianisten, dessen Repertoire besonders reich an verschiedenen Bass-Figuren war. Geboren 1898 in Chicago wuchs Jimmy Yancey mit den aufregenden neuen Klängen auf, die die Stadt kurz vor und während des Ersten Weltkriegs erreichten. Dennoch begann er bereits im Alter von sechs Jahren als Sänger und Tänzer im Varieté auf der Bühne zu stehen. Er trat zunächst im Pekin Theatre in Chicago auf, damals das Top-Theater für schwarze Musiker. Vier Jahre später verließ er das Theater, um sich der Bert Earl Company anzuschließen und tourte von Küste zu Küste (aber nicht weiter südlich als Louisville). Kurz vor dem Ersten Weltkrieg schloss er sich für zwei Jahre der “Orpheum-Tournee“ in Europa an und trat sogar vor George V. bei einem Auftritt im Buckingham Palace auf. Im Juni 1913 verließ er das Unterhaltungsgeschäft, um sich wieder in Chicago niederzulassen.
Sein Bruder Alonzo brachte ihm das Klavierspielen bei, und als Jimmy sich vom Varieté zurückzog, begann er, abends in den Chicagoer Kinos zu spielen, während er tagsüber Baseball für die Chicago All Americans spielte.
Er wuchs im Klima der Chicagoer Hausmusikszene auf. Er war schon vor seiner Zeit als Teenager sehr beliebt und sehr gefragt. Manchmal arbeitete er dauerhaft in Clubs wie dem Moonlight Cafe und dem Beartrap Inn, aber diese Engagements hielten nie lange genug, und die eher bescheidene Lage entschied sich für einen sichereren und stabileren Beruf. Er arbeitete ab 1925 als Platzwart für die Chicago White Sox im Comisky Park.
Schallplatten-Aufnahmen ging in den späten 1920 er und 1930 er Jahren an ihm vorbei, während viele Freunde wie Clarence Lofton, Cow Cow Davenport, Charlie Spand und Smith Aufnahmen machten und den Sound des amerikanischen Boogie Woogie-Pianos einem größeren Publikum näherbrachten. Doch Yancey, von dem diese Männer ihre Inspiration bezogen, blieb im Verborgenen.
Meade Lux Lewis nahm 1936 “Yancey Special“ für John Hammond bei Decca auf, als Hommage an seinen Lehrer, und 1938 machte Bob Crosby ein weiteres Cover der Nummer. Er machte sie einem größeren Publikum bekannt, und man begann zu fragen, wer Yancey war. William Russell, der Material für sein Buch “Jazzmen“ sammelte, besuchte Yancey 1938, aber wie für dessen lockere Beziehung zur Musik typisch, hatte er kein Klavier und musste seine Schwester einmal pro Woche besuchen, um zu üben! Es war seltsam, dass er nie Aufnahmen machte, aber die Musik war im Wesentlichen für ihn selbst nie mehr als ein Hobby.
Es dauerte bis 1939, um Jimmy ins Studio zu holen, und es war Don Cawley, ein New Yorker Barkeeper, der Yancey überredete, für Victors eigenes Solo Art-Label aufzunehmen. Innerhalb von 15 Monaten folgten zwei Sessions für Victor und eine für Columbias Tochterfirma Vocalion. Kriegszeiten und das Aufnahmeverbot von Petrillo ermöglichten es Yancey, wieder von der Bildfläche zu verschwinden, abgesehen von kleinen privaten Aufnahmesession durch John D. Reid im Jahr 1940 bis 1943, als ein Chicagoer Plattenladenbetreiber, Phil Featherinba, Yancey überredete, für das von ihm gesungene Label Session aufzunehmen. Er nahm 1950 sechs Titel für John Steiner und Paramount auf und wurde von Atlantic mit seiner Frau Estelle "Mama" Yancey in seiner letzten Aufnahmesession aufgenommen.
Acht Wochen nach der Atlantic-Aufnahmesession war "Papa" Jimmy Yancey an Diabetes gestorben. Sein Ableben wurde von allen, die ihn kannten, betrauert, und viele Jazz-Musiker boten an, bei seiner Beerdigung zu spielen. Zu denen, die dazu eingeladen waren, gehörten der Trompeter Lee Collins und der erfahrene Posaunist Miff Mole. Yancey sollte in Begleitung des Jazz-Quartets zur Beerdigung gefahren werden. Übrigens, und am Grab spielten sie solche New Orleanser Beerdigungs-Standards wie “High Society“. Sie ließen ihn mit diesem Lied in sein Grab hinab, aber sie beendeten es mit “Nearer My God, To Thee“ im Hymnentempo. Das war es, was Mama wollte.
Estelle "Mama" Yancey wurde am 01. Januar 1896 in Cairo/Illinois geboren und lebt noch heute in Chicago. Sie heiratete Jimmy 1917. Die Beziehung dauerte bis zu seinem Tod – während dieser Zeit kümmerte sie sich um seine geschäftlichen Angelegenheiten. Ihr Gesang war brodelnd und entsprang dem Pathos der house-rent-parties – sie war überhaupt keine professionelle Sängerin, aber sie liebte es, zum Klavierspiel ihres Mannes zu singen.
Sie hat seit dieser schlechten Session 1952 für Windin‘ Ball Records (mit Don Ewell) wenig gesungen. Und danach noch zwei Sessions: Eine davon waren einige Nummern 1961 mit einer Little Brother Montgomery Band für Riverside, während 1965 ein letztes Album für Verve mit Art Hodes am Piano aufgenommen wurde.
Sie scheint 1951 für die Sessions wieder in die Chicago-Szene zurückgerutscht zu sein. Seit den 1940 er Jahren ist sie Wahlbezirkskapitänin der Demokraten. Es scheint, dass dies ihre Haupttätigkeit war. Als Künstlerin war sie mit ihrem Ehemann am besten – und ihr Bestes ist auf diesem Album zu finden.
Die Gefahr einer Wertschätzung viele Jahre nach Jimmy Yanceys Tod liegt in der Tatsache, dass man dazu neigt, ihn nur für die wenigen Aufnahmen zu bewerten, die er gemacht hat, und vergisst dabei, dass seine Aufnahmequalitäten nachließen, nachdem er möglicherweise aufgehört hatte, als Künstler aufzutreten. Das Wagnis besteht weiterhin darin, dass man, ohne es zu merken, Yancey als einen von vielen betrachten könnte, die in den Jahren vor dem Zweiten Weltkrieg auf den Boogie-Woogie-Markt sprangen oder sich auf diesem wiederfanden. Während Meade Lux Lewis, Albert Ammons und Pete Johnson bekannte Namen waren, machten eine Vielzahl kleinerer Leute Boogie-Woogie-Platten, und die meisten Plattenfirmen, große wie kleine, veröffentlichten in der unmittelbaren Nachkriegszeit Boogie-78er. Yanceys schüchterne, eher zurückhaltende Art und Weise, die bis dahin vorüber war, mit zwei kleinen Ausnahmen. Erst im Juli 1951 zeigte eine große Firma Interesse seit der Vector/Bluebird-Session von 1940, als Atlantic einige der ergreifendsten Aufnahmen aller Zeiten aufnahm. Die Session wird hier in Gänze veröffentlicht. 14 Nummern, Yanseys letztes musikalisches Zeugnis. Bitte beachten Sie, dass dies der Vollständigkeit halber getan wurde: Die Version von Blues for Albert wurde von einem alten 10-Zoll-Album genommen, da das Master nicht gefunden werden konnte. Trotz des Unterschieds im Klang war man der Meinung, dass sein musikalisches Denkmal für Ammons aufgenommen werden sollte.
Obwohl diese Aufnahmen nur wenige Wochen vor seinem Tod gemacht wurden, sind sie an sich zeitlos – eine wahre Hommage an sein Talent und seine Fähigkeiten. Es gibt keinen Verlust an Halt, kein Anzeichen von Senilität; nur ein bewegendes Gefühl der Vorahnung, das der Zuhörer unerklärlicherweise bei “How Long Skies“ und “Monkey Woman Blues“ empfindet.
Yanceys sanftes, manchmal fast introspektives Klavier verbindet sich mit Marnas ergreifendem Gesang
Ihr kleinen Mädchen, wünschtet, ihr hättet einen Mann wie meinen!
Küss ihn und ich liebe ihn, das sage ich ihm immer wieder.
als ob sie befürchtete, ihn bald zu verlieren. Was wir also auf diesem Album haben, ist eine Sammlung außergewöhnlicher Beispiele für Blues-Piano und auch einige sehr bewegende Gesangseinlagen. In gewisser Weise ist dies die vorletzte Session, sowohl für die Yanceys ... als auch für uns.
Gruß
Heino
